NORTHERN LIGHT | LUMIÈRE DU NORD

Smoke : Une éruption ré-animée à l’aide d’une photo numérisée du Mont Fuji.

Leslie Supnet est une éducatrice et une artiste de l’image en mouvement établie à Toronto qui utilise l’animation, des matérieux trouvés, le lo-fi et d’autres méthodes expérimentales.

Smoke : An eruption re-animated using a scanned photo of Mt. Fuji.

Leslie Supnet is a Toronto-based moving image artist and educator, who utilizes animation, found media, lo-fi and experimental methodologies.

Second Sun : Le son croissant des tambours accentue les éclats de lumière, les images du système solaire et l’imagination post-apocalyptique de la naissance d’un Second Soleil.

Leslie Supnet est une éducatrice et une artiste de l’image en mouvement établie à Toronto qui utilise l’animation, des matérieux trouvés, le lo-fi et d’autres méthodes expérimentales.

Second Sun : The rising sound of drums emphasizes flashes of lights, images of the solar system and a post-apocalyptic imagining of the birth of our Second Sun.

Leslie Supnet is a Toronto-based moving image artist and educator, who utilizes animation, found media, lo-fi and experimental methodologies.

Portrait intime et impressionniste de Baba Dana, une femme Bulgare de 85 ans qui a choisi de vivre dans la montagne, loin des gens et de la ville.
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Ralitsa Doncheva (née en 1987) est une cinéaste et artiste bulgare établie à Montréal. Son travail se situe à l’intersection du cinéma et de l’installation artistique. Elle est membre du groop*index, un collectif local géré par des artistes se concentrant sur la notion de cinéma élargi (expanded cinema).

direction & montage: Ralitsa Doncheva
image: Ralitsa Doncheva & Erin Weisgerber
sound: Harris Shper

Baba Dana Talks To The Wolves is an impressionistic portrait of Baba Dana, an 85 year-old Bulgarian woman who has chosen to spend her life in the mountains, away from people and cities.

Ralitsa Doncheva (b. 1987) is a Bulgarian filmmaker and artist, based in Montréal. She works at the intersection between cinema and installation art. She is a member of groop*index, a local artist-run collective focusing on expanded cinema.

Baigné dans l’histoire elliptique et le simulacre historique, ‘Exile Exotic’ se déroule dans un hotel :une réplique du Kremlin. Narrant les débuts exotiques de l’exil de ma mère de la Russie, le film sert de plateforme qui nous permet de visiter le Kremlin à nouveau, bien qu’au bord d’une piscine. Accompagné par un score lyrique rappelant le chant des sirènes poussant Ulysse à errer davantage lors de son périple vers sa maison, notre histoire se réverbère à travers celle de la Russie, limitant la liberté de mouvement des individus. Ce film est un pèlerinage. Ce film survient en vagues.

​Bande-son originale / performance : Hannah Catherine Jones

Steeped in elliptical history and historical simulacra, Exile Exotic is set at a hotel that is a replica of the Kremlin. Narrating the exotic beginnings of my mother’s and my exile from Russia, the film serves as a platform for us to visit the Kremlin again, albeit by the side of a pool. Soundtracked by an operatic score reminiscent of the song of the sirens making Odysseus stray on his long journey home, our story reverberates throughout the scope of Russian history’s limiting of free movement of individuals. This film is a pilgrimage. This film comes in waves.​

​Original score / performance : Hannah Catherine Jones

Living on the Edge : Un peepshow anthropologique sur l’état actuel du règne animal, via une technique d’image par image en Super 8. Cette histoire animalière de dévastation et de ruine s’avère la catharsis d’un végétarien (anciennement) vacillant.

Aaron est un artiste de Winnipeg œuvrant dans le cinéma, la vidéo et la photographie. On le voit souvent travailler avec des médias analogiques, du found footage, de la technologie lo-fi et d’autres procédés expérimentaux. Zeghers est le fondateur du collectif Open City Cinema et du Winnipeg Underground Film Festival. Ses films ont été présentés dans des festivals et salles de cinéma à l’international.

​Living on the Edge: An anthropological peepshow of Kingdom Animalia’s current state-of-affairs via frame-by-frame Super 8. This animal’s history of wreck and ruin is the catharsis of a (formerly) lapsed vegetarian.

Aaron is a Winnipeg-based artist working in film, video and photography. He is often found working with analog mediums, found footage, lo-fi technology and experimental processes. Zeghers is a founder of the Open City Cinema collective and the Winnipeg Underground Film Festival. Zeghers’ films have played at festivals and venues around the world

À travers un déluge d’images et d’impressions, un narrateur tente de se remémorer une vacance familiale. Produit à Berlin et Toronto, Bunte Kuh est le fruit d’une collaboration entre Parastoo Anoushahpour, Faraz Anoushahpour et Ryan Ferko. Le film réunit une carte postale trouvée, un album de photos de famille et des séquences originales qui tissent ensemble les temporalités de deux vacances distinctes.

Parastoo Anoushahpour, Faraz Anoushahpour et Ryan Ferko travaillent en collaboration depuis 2013. Présentement établis à Toronto, leurs installations et leurs films récents ont été présentés à Projections (Festival du film de New York), à Wavelengths (Festival international du film de Toronto), au Festival international du film de Rotterdam, à l’Internationale Kurzfilmtage Oberhausen (Allemagne) et au Media City Festival (Windsor/Détroit).

Through a flood of images and impressions, a narrator attempts to recall a family holiday. Produced in Berlin and Toronto, Bunte Kuh is a collaboration between Parastoo Anoushahpour, Faraz Anoushahpour, & Ryan Ferko which combines a found postcard, family photo album, and original footage to weave together the temporal realities of two separate vacations.

Parastoo Anoushahpour, Faraz Anoushahpour, and Ryan Ferko have worked in collaboration since 2013. Currently based in Toronto, recent film and installation work has been shown at Projections (New York Film Festival), Wavelengths (Toronto International Film Festival), International Film Festival Rotterdam, Internationale Kurzfilmtage Oberhausen (Germany), Media City Festival (Windsor/Detroit).

Les réalisateurs d’Ondes et silence nous font pénétrer dans l’univers de citoyens souffrant d’hypersensibilité électromagnétique. Ces « réfugiés des ondes » se sont installés en Virginie-Occidentale, autour de l’observatoire de Green Bank, dans le secteur connu sous le nom de « National Radio Quiet Zone » (zone nationale de silence radio). Entre le documentaire, l’essai cinématographique, la science-fiction et le film expérimental, Ondes et silence défie les genres et tisse une trame singulière où le traitement visuel et sonore transfigure la réalité pour faire comprendre et surtout faire sentir la souffrance et le désarroi des personnes électro-sensibles.
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Ce travail complexe sur l’image et le son génère des moments de cinéma hallucinants – des moments de grâce pendant lesquels le spectateur est amené à voir les ondes électromagnétiques prendre forme dans l’environnement, traverser les murs des maisons et envahir l’espace de leurs puissantes vibrations. Connus notamment pour leur travail au sein du groupe musical Godspeed You! Black Emperor, David Bryant et Karl Lemieux signent une œuvre sensorielle percutante! – [ONF]

In Quiet Zone, the filmmakers take us deep into the world of those who suffer from electromagnetic hypersensitivity. These “wave refugees” settled in West Virginia around the Green Bank observatory, in an area known as the National Radio Quiet Zone. Combining elements of documentary, film essay and experimental film, Quiet Zone defies genres, weaving together an unusual story in which sound and image distort reality to make the distress and suffering of these people palpable.
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​Through the use of complex imagery and sound, mind-blowing cinematic moments are born – moments of grace during which viewers witness electromagnetic waves take shape in the environment, travel through walls and invade spaces with their powerful vibrations. Known for their work in the musical group Godspeed You! Black Emperor, David Bryant and Karl Lemieux produced a striking piece of sensory genius. – [NFB]

Un essai visuel sur les défaillances indicielles qui examine la joie de gestes ineffables…

Les films de Solomon Nagler ont fait l’objet de rétrospectives à la Cinémathèque de Winnipeg, au cinéma Excentris de Montréal, au Festival des cinémas différents de Paris, à la Calgary Society of Independent Filmmakers, à l’Institut canadien du film d’Ottawa, à la galerie Robert Heald de Wellington, en Nouvelle-Zélande, à l’Artist Film Workshop de Melbourne, en Australie, et à la Cinémathèque québécoise. Originairement de Winnipeg, Solomon Nagler est le cofondateur du WNDX : Festival of the Moving Image de Winnipeg et réside présentement à Halifax où il est professeur en production cinématographique à l’Université NSCAD.

A Visual essay of indexical failures that examine the bliss of ineffable gestures…

Solomon Nagler’s films have been featured in Retrospectives at the Winnipeg Cinematheque, Excentris Cinema in Montreal, the Festival de le Cinéma Different in Paris, The Calgary Society of Independent Filmmakers, The Canadian Film Institute in Ottawa, Robert Heald Gallery in Wellington, New Zealand, The Artist Film Workshop in Melbourne, Australia and the Cinematheque Quebecoise. Originally from Winnipeg, Solomon Nagler is co-founder of WNDX: Festival of the Moving Image in Winnipeg and currently lives in Halifax where he is a professor of film production at NSCAD University.

À travers le prisme de divers projecteurs défectueux un portrait architectural se révèle comme objet de métamorphose. Ces projecteurs sont présentement en vente chez J. Werier, un entrepôt de brocante à Winnipeg.

Rhayne Vermette est une artiste de Winnipeg (Manitoba). Fortement intéressée par les images et animations qui bravent les conventions architecturales, sa pratique s’enracine autour des notions de décadence et d’indétermination. Favorisant l’expérimentation, ses films en 16mm défient la forme documentaire, joignant souvent l’insipide à l’irréel.

An architectural portrait emerges as a transmogrification through various broken projectors. These particular projectors are currently being sold at J. Werier, a Winnipeg warehouse emporium and artifact.

Rhayne Vermette is an artist from Winnipeg, Manitoba. Severely interested in images and animation which confront architectural conventions, her practice is rooted in notions of decadence and the indeterminate. Favouring the experimental, her 16mm films confront documentary form, often merging the insipid within the surreal.

Une matrice spatiale perturbe le cours du temps, en replaçant la causalité temporelle avec l’espace contigu. Une vue d’un paysage est démantelée pour être reconstituée à travers le temps et la mémoire. Cette grille devient une perturbation des chemins mais aussi un moyen de stratifier l’expérience. Le spectateur est appelé à se souvenir de l’espace tandis qu’il défile devant ses yeux, puis à le reconstituer selon son souvenir, reconnectant l’image activement à travers l’espace et le temps.

​Chris Kennedy (né en 1977 à Easton, au Maryland) est un cinéaste indépendant, programmateur et auteur établi à Toronto. Il a été programmateur du Images Festival de 2003 à 2006 et de Pleasure Dome de 2000 à 2006. Il est le cofondateur et coprogrammateur de Early Monthly Segments, en plus de programmer The Free Screen pour la Cinémathèque du TIFF. Il est le directeur exécutif du Liaison of Independent Filmmakers of Toronto. Ses courts métrages expérimentaux ont été présentés dans plus d’une centaine de festivals de cinéma à travers le monde. – [http://theworldviewed.com]

Shot on Mount Tamalpais, a spatial matrix replaces temporal causality with contiguous space. A view of landscape is taken apart, to be reconstituted through memory. The grid, a reference to the “veil of threads” invented by Albrecht Dürer as an aid for perspective drawing – to transfer vision to a sheet of paper – is used for an opposite effect – to disperse a landscape across time. The viewer is asked to remember the space as it passes and reconstitute it from memory, actively connecting the image across space and time.

Chris Kennedy (b. 1977 Easton, Maryland) is an independent filmmaker, film programmer and writer based in Toronto. He programmed for the Images Festival from 2003-06 and Pleasure Dome from 2000-06. He co-founded and co-programs Early Monthly Segments and programs TIFF Cinematheque’s The Free Screen. He is the Executive Director of the Liaison of Independent Filmmakers of Toronto. His short experimental films have screened at over one hundred film festivals worldwide. – [http://theworldviewed.com]

« Avec sa superposition saccadée de photogrammes qui démultiplient une lune longuement exposée, Lunar Almanac se lance dans un voyage à travers les sphères magnétiques. Tourné en Ektachrome 16mm et développé à la main, ces touches artisanales imprègnent le film d’un mystère nocturne. » — [Andréa Picard, TIFF Wavelengths, 2014]

« Exploitant autant le hasard que les possibilités techniques intrinsèques de la pellicule, Lunar Almanac est une miniature exquise, pleine d’émerveillement. » – [Ana Hušman, Johann Lurf et Andréa Picard, Festival 25 FPS, 2014 (Mention honorable)]
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Originaire du Chili, Malena Szlam vit et travaille présentement à Montréal. Membre du collectif Double Negative, son travail a été présenté, entre autres, au Festival international du film de Rotterdam, au Festival international du film de Toronto, à Views from the Avant-Garde du NYFF et au Festival du film d’Ann Arbor.

Lunar Almanac initiates a journey through magnetic spheres with its staccato layering of single-frame, long exposures of a multiplied moon. Shot in 16mm Ektachrome and hand processed, the film’s artisanal touches are imbued with nocturnal mystery.” — [Andréa Picard, TIFF Wavelengths, 2014]

​“Harnessing chance as much as film’s innate technical abilities, Lunar Almanac is an exquisite miniature of wonderment.” — [Ana Hušman, Johann Lurf and Andréa Picard, 25 FPS Festival, 2014 (Honorable Mention)]

Malena Szlam is originally from Chile and currently lives and works in Montreal. A member of the Double Negative Collective, her work has been presented at the International Film Festival Rotterdam, the Toronto International Film Festival, the NYFF’s Views from the Avant-Garde and the Ann Arbor Film Festival, among others.

No Time for Tomorrow est un film à la première personne entremêlant archives familiales et images trouvées de la Syrie. À travers la forme du collage, le film réfléchit à la possibilité de construire une identité culturelle alors que le référent direct, la Syrie, est menacé de disparaître.

Originaire de Montréal, Emilie Serri est une artiste visuelle et cinéaste. Ses films sont distribués par LightCone à Paris et ont été présentés dans des festivals et des galeries à l’international.

No Time for Tomorrow is a collage film combining youtube found footage of Syria and audio from personal home movies in order to reflect upon the possibility of constructing a cultural identity in a context where Syria is threatened to disappear.

Originally from Montreal, Emilie Serri is a visual artist and filmmaker. Her films are distributed by LightCone in Paris and have been shown in festivals and galleries internationally.