Quand | When

15.03.2018 | 20h00

| Where

la lumière collective
7080, rue Alexandra, Montréal [QC]

Média | Media

16mm | HD
En présence de la cinéaste.

Billets | Tickets

7$ à la porte

“The soundtrack of the film is composed by placing letters, words and sentences directly on the optical soundtrack – in a sense the projector is “reading” the words, and the sound that you hear is the language produced by the cinematic machine.” – Kelly Egan

Kelly Egan est une cinéaste, conceptrice sonore, chercheuse et archiviste basée à Toronto.

KELLY EGAN

Kelly Egan est une cinéaste, conceptrice sonore, chercheuse et archiviste basée à Toronto. Egan détient un baccalauréat es arts en communication de masse de l’Université Carleton (2001), une maîtrise es arts en communication et culture de l’Université York/Ryerson (2003), une maîtrise en beaux arts du Collège Bard (2006) et un certificat en conservation de films de la Selznick School of Film Preservation à George Eastman House (2012). Elle détient également un doctorat en communication et culture de l’université York/Ryerson (2013). Ses films ont été présentés à l’international dans divers festivals dont le Festival international du film de Rotterdam, le TIFF, Images Festival et New York Film Festival. Vous ne pouvez certainement pas deviner en lisant cette biographique qu’elle possède un humour pince-sans-rire, et qu’elle aime son chat “Beans”…

Kelly Egan’s academic and artistic practices probe the intersection of art and technology, specifically focusing on how artists engage and reimagine dead media through the lens of contemporary practices. She approaches her creative and critical work as a media archaeologist, combining critical histories and material analyses by considering the story of a medium outside of its hierarchal, canonical and linear history. Her dissertation “The Projector’s Noises: A Media Archaeology of Cinema Through the Film Projector” (2013) explores how twentieth century artists critically engaged with the film projector’s noises at moments of technological transition, and how this engagement challenges the dominant structures of the cinematic apparatus by drawing attention to the liveness and performativity of the cinematic event. An award-winning filmmaker, her films have screened internationally at major festivals including the Toronto International Film Festival, the Images Festival, the New York International Film Festival, the Rotterdam International Film Festival, Edinburgh International Film Festival, EXiS Experimental Film and Video Festival, and WNDX. Her film-based installations have been exhibited at the York Quays Gallery/Harbourfront Centre and the Gladstone in Toronto, L’espace virtuel in Chicoutimi, PQ, and Evans Contemporary in Peterborough, ON.

SYNTHETIC SOUNDS: FILMS OUTSIDE THE FRAME

[Une sélection d’oeuvres choisies par Kelly Egan | Programmed by Kelly Egan]

20h00 | 65 min

Oskar Fischinger | 1932 | 35mm (on 16mm) | Sound | b&w | 7 min | Germany

​«Son synthétique dessiné dans les studios de Fischinger au début des années 30 en Allemagne. L’une des premières expériences nous faisant voir ce que l’on entend.»  – [Yann Beauvais]

” Ornament Sound uses the optical sound track in a very unique way. Using precise graphical icons in place of the usual waveforms in the soundtrack area of the film, a “synthesized,” or “pure” sound, as Fischinger called it, results upon playback. To create this track, Fischinger cut out templates for each design, then photographed them one frame at a time. When played back at 24fps (frames per second), these images create a wide variety of tonal variations – in essence, synthesized sound.”- [Light Cone]

Barry Spinello | 1968 | 16mm | sound | colour | 10 min | USA

​SONATA a été produit sans caméra ni enregistreur en peignant à la main des milliers d’images sur de la pellicule 16 mm claire. J’avais été un peintre et un musicien jusqu’à ce moment. Je trouvais que la taille de mes tableaux devenait de plus en plus petite… Il s’agissait d’une étape logique et naturelle pour moi que de commencer à dessiner des images directement sur de la pellicule transparente… Il ne fallut pas longtemps avant que j’apprenne la méthode de McLaren afin de peindre des sons directement sur la bande sonore… J’ai travaillé sur SONATA comme un homme possédé, déterminé à faire un film, un film sonore, sans financement. SONATA a été produit avec de la pellicule transparente d’une valeur de trois dollars et cinq bouteilles d’encre, avec un coût de production total de neuf dollars et sept mois de ma vie : cinquante heures par semaine pendant sept mois — seize mille images individuelles, chacune peinte avec amour et soin… Mon objectif esthétique était de former et de compresser la formidable énergie cinétique de l’image peinte à la main en une unité harmonieuse, qui pourrait être appréciée à plusieurs niveaux et durant plusieurs projections.

“SONATA was made without camera or tape recorder by handpainting thousands of images onto 16mm clear leader. I had been a painter and musician up to this time. I found the size of my paintings becoming smaller and smaller …. It was a logical and natural step for me to proceed to drawing images directly onto 16mm clear leader. … It wasn’t long before I learned McLaren’s method of painting sounds directly on the soundtrack. … I worked on SONATA like a man possessed, determined to make a film, and a sound film, with no funds to do so. SONATA was made for three dollars worth of clear movie film and five bottles of ink, for a total production cost of nine dollars, plus seven months of my life: fifty hours per week for seven months – sixteen thousand individual frames, each one painted with love and care. … My overall aesthetic purpose was to shape and compress the tremendous kinetic energy of the handpainted image into a harmonious unit, which could be enjoyed on many levels and with many screenings.” – [Barry Spinello]

Lis Rhodes | 1971 | 16mm | sound | colour | 5 min | UK

​Était peut-être posée la question du son – l’incertitude de toute synchronisation entre ce qui a été vu et ce qui a été dit est au point de départ d’une enquête sur la relation du son à l’image. Dresden Dynamo est un film que j’ai fait en 1972 sans caméra – dans lequel l’image est exactement la piste sonore reproduite – le son piste l’image. Un film témoin. – [Lis Rhodes, traduction : PK – collectif jeune cinema]

It was perhaps the question of sound – the uncertainty of any synchronicity between what was seen and what was said that began an investigation into the relationship of sound to image. ‘Dresden Dynamo’ is a film that I made in 1972 without a camera – in which the image is exactly the soundtrack – the soundtrack the image. A film document. – [Lis Rhodes]

Guy Sherwin | 1972 | 16mm | sound | b&w | 5 min | UK

​“J’ai collé le journal du dimanche avec de la glue sur de l’amorce 16mm transparente. Puis j’ai poinçonné les perforations bouchées par le papier afin que le film passe dans le projecteur. J’ai ensuite exposé ce “film-journal” à une forte lumière afin de le copier sur une autre pellicule. Ce qui fait apparaître clairement les lettres et les mots, qui génèrent également du son quand ils passent sous la tête de lecture du projecteur.” – [Guy Sherwin]

“A newspaper glued onto clear film is projected as audio-visual typography. A film made without a camera.” – [Canyon Cinema]

“I glued a Sunday newspaper onto clear 16mm film then punched out the clogged-up sprocket holes to enable the film to run through the projector. Then I shone a strong light through this ‘newspaper-film’ to copy it onto another strip of film. This shows up the letters and words clearly, which can also be heard as they pass over the sound-head in the projector.” – [Guy Sherwin]

Richard Reeves | 1997 | 16mm | sound | colour | 7 min | Canada

“​Des images et des sons provenant de l’esprit. Les pulsations d’une ligne se transforment en cercle et explorent un univers de couleurs et de formes. Un film d’animation expérimental dont l’image et le son sont dessinés directement sur la pellicule.” – [ONF]

A film produced only with the material of film itself. Images from the mind’s eye, music from the mind’s ear – a stream of consciousness journey, produced by drawing and painting directly on 35 mm film – accompanied by handscratched sounds.

Scott Stark | 1988 | 16mm | sound | colour | 5 min | USA

Une “biographie filmée” de Kirk Douglas – littéralement. Des pages d’un livre – les lignes de texte et les petits points qui composent les photographies en demi-teintes – créent des notes musicales, qui ont été montées dans un rythme effréné. Ce film examine la fabrique moléculaire de la superficialité Hollywoodienne. -[Light Cone]

A “filmed biography” of Kirk Douglas – literally. Pages of a book – the lines of text, and the tiny dots comprising the half-tone photographs – create odd musical notes, which are edited into a pounding rhythm. This film examines the molecular fabric of Hollywood superficiality. – [Light Cone]

Kelly Egan | 2003 | 16mm | sound | colour | 3min

Un joli film fait sans caméra qui reprend le texte et la structure d’un haiku, breath explore l’interaction entre son, image et mot écrit. La trame sonore est créée par la lumière optique qui lit trois haikus et un court poème, tous écrits au 19e siècle par des poétesses japonaises. La structure film reprend la composition syllabique traditionnelle du haiku soit cinq-sept-cinq.

A beautiful cameraless film based on the text and structure of a haiku, breath explores the interplay between sound, image and written word. The soundtrack is created by an optical light reading of three haikus and one short poem, all written by ninth-century Japanese poetesses. The film’s structure is based on the five-seven-five syllabic composition of a typical haik

Kelly Egan | 2011 | 35mm to digital | sound | colour | 5min

“Nous avons votre…” Dans notre imaginaire collectif, la demande de rançon est une entrée en matière intéressante pour aborder les politiques liées à la propriété, la liberté, la valeur d’échange, alors qu’elle transforme du contenu conçu pour les médias de masse (tel que les journaux) en un message personnel – la ré-appropriation du language et du sens par le biais d’un collage. Ransom Notes explore cette tension étrange afin d’éclairer l’expérience personnelle de la réalisatrice du détournement de sa ville durant le Sommet G20 à Toronto et les émeutes qui s’en suivirent en juin 2010. Le film rassemble de nouveaux et d’anciens médias (film, papier journal, impression de publications Twitter), observe la mobilisation sociale à travers les médias de masse et reprend la structure d’une ‘waltz’. Des lettres, mots et phrases ont été placés directement sur la bande sonore optique et composent la trame sonore du film – dans un sens, le projecteur est en train de “lire” les mots, et le son que vous entendez consiste en le language produit pas la machine cinématographique.

“We have your …” The ransom note, in our collective imagination, is an interesting entry point to the politics of ownership, freedom and exchange value, made by transforming mass media (newspapers) content into a personal message – the re-appropriation of language and meaning through the act of collage. Ransom Notes explores this strange tension as a means of sorting out the filmmaker’s experience of the hijacking of her city during the Toronto G20 Summit and subsequent riots of June 2010. The film combines new and old media (film, newsprint, print-outs of twitter feeds), exploring social mobilization through mass media, culminating through the structure of a “waltz.” The soundtrack of the film is composed by placing letters, words and sentences directly on the optical soundtrack – in a sense the projector is “reading” the words, and the sound that you hear is the language produced by the cinematic machine.

Jodie Mack | 2012 | 16mm | sound | colour | 3 min | USA

​Un appel et une réponse en courtepointe. Une bataille des extrêmes extrêmes.

A quilted call and response. A battle of extreme extremes.

Scott Fitzpatrick | 2015 | 16mm to digital | sound | colour | 5 min | Canada

“Vraiment, lorsqu’il s’agit des droits des homosexuels, deux guerres sont en cours. La première est politique, mais la guerre culturelle est terminée.” – [Dan Savage]

Comment transgresser en 2015? Ça ne vaut pas la peine. Un diagramme de Venn personnel, un rafistolage conceptuel d’intérêts et d’identifiants, une expérience sonore et animée présentée à l’aide des 260 polices d’écritures de mon Macbook. S’il vous plaît jouer fort.

“Really, when it comes to gay rights, there’s two wars going on. The first war is political, but the culture war is over.”
– [Dan Savage]

How do you transgress in 2015? Don’t bother. A personal Venn diagram, a conceptual cobbling together of interests and identifiers, a sound and animation experiment rendered in all 260 fonts on my MacBook. Please play loud.

Scott Fitzpatrick | 2015 | 16mm to digital | sound | colour | 3 min | Canada

“Afin d’atteindre l’abstraction, je pensais qu’il était important de trouver un système graphique qui me permettrait de coder une réalité plutôt que de la représenter.” – [Scott Fitzpatrick]
Une imitation des sculptures cinétiques d’art optique du même nom de Jesus Rafael Soto, imprimée au laser sur de la pellicule 16mm recyclée en 2015 (recto-verso). Escrituras est une animation fait sans caméra qui cherche à vous éblouir ainsi qu’à endommager vos hauts-parleurs.

“In order to achieve abstraction, I thought it was important to find a graphic system that would allow me to codify a reality rather than represent it.” – [Scott Fitzpatrick]

An imitation of Jesus Rafael Soto’s kinetic op-art sculpture of the same name, laser-printed onto recycled 16mm film in 2015 (double-sided). Escrituras is a cameraless animation that seeks to dazzle your eyes and damage your speakers.

Rhayne Vermette | 2013 | 16mm to digital | sound | colour | 2 min | Canada

‘Le temps n’a pas été clément pour la toile Black Square de Kasimir Malevich. En 1915, quand l’œuvre fut d’abord exposée, la surface du carré était pure, parfaite; aujourd’hui, la peinture noire qui a craqué révèle le fond blanc, comme du mortier dans un pavement un peu fou.”

Le film documente le fastidieux processus de démanteler et réassembler un montage de pellicule 16 mm. Le collage de la pellicule imite le rideau, tandis que la piste optique décrit la destruction subséquente de la pellicule pendant sa première projection. – [La Cinémathèque Québécoise]

“Time has not been kind to Kasimir Malevich’s painting, Black Square. In 1915 when the work was first displayed the surface of the square was pristine and pure; now the black paint has cracked revealing the white ground like mortar in crazy paving.”

This film documents a tedious process of dismantling and reassembling 16mm found footage. The film collage imitates functions of a curtain, while the recorded optical track describes the film’s subsequent destruction during its first projection.

Kelly Egan | 2016 | | 35mm to digital | sound | colour | 5min

Le second d’une série de films « courtepointes » (« quilt films ») qui rendent hommage au travail de femmes pionnières du milieu des arts, Athyrium Filix-Femina imagine d’une manière différente le travail fondateur de la photographe Anna Atkins. En 1843, elle fût la première à publier un livre de photographies, «Photographs of British Algae ». – [Cinémathèque québécoise]

The second in a series of “quilt films” that pay homage to the work of pioneering female artists, Athyrium filix-femina reimagines Anna Atkins’ foundational work in photography as a moving image. In 1843, Anna Atkins published the first book of photography, Photographs of British Algae: Cyanotype Impressions, an exploration of regional botany that classified different kinds of algae using direct prints of the plants. The cyanotype process was a relatively short-lived as a dominant form of photography, however, it found refuge in the domestic sphere where it was used to decorate fabric for pillows, drapes and clothing. By combining filmmaking and quilting, this film extends from the “domestication” of this photographic art by exploring experimental narrative and structural forms through the use of traditional “women’s work.” The “narrative” in this film is told through the symbolic patterning in quilt-making practices.

Athyrium filix-femina was created by adapting Atkin’s original cyanotype recipe, painstakingly coating clear 35mm filmstrip, and exposing each filmstrip to sun (sometimes for an excess of 4 hours). The images are a combination of botanical photograms (an homage to Atkins botanical images) and direct prints of found footage that tells the story of a young girl tormented by a gang of bullies and an imprisoned spider. The combination of these two dominant “fabrics” produce a feminist narrative that inherently questions malecentrism within the history of the photographic arts and sciences.

Even more than my first quilt film (c: won eyed jail, 2005, which was created as an homage to Joyce Wieland), Athyrium felix-femina combines structural filmmaking and process-based techniques in order to bring materiality of filmmaking to the forefront—but also with emphasis on the handmade aspects of the art form. By adapting and reframing historical photographic processes to highlight the unique temporality and liveness of film, this project explores not only its materiality of film, but also the interface between the histories and discourses of film and photography.

Translation to French © Emma Roufs