GEORGE CLARK

​“This film was made early in 1994. I called home less and less and somehow felt it was like a duty to do so. One day, after I had just moved to a new apartment, I realized how aged my mother sounded on the phone. Her childhood black and white photo and the telephone were all I could relate to her here.” ​- [Apichatpong Weerasethakul]

La loi martiale à Taïwan comprenait des lois qui, clairement, éliminaient le droit au rassemblement, aux démonstrations publiques et à la création d’organisations. Malgré tout, pendant un après-midi de vacances en 1983, cinq jeunes personnes sont apparues sur la rue Ximending, habillées de kakis blancs, la tête couverte par des sacs de coton. Ils ont marché, côte à côte, de la Maison Rouge jusqu’au théâtre Wannian, attirant l’attention d’une foule grandissante de passants curieux et alertant les centrales de police ainsi que les policiers en civil. Quand ils sont arrivés à destination, ils ont immédiatement commencé à hurler et crier comme s’ils étaient touchés d’une douleur incommensurable, excepté un des hommes, qui, discrètement, c’est allongé au sol. Cet homme était Chen Chieh-jen. Il avait 23 ans, et il venait de finir son service militaire obligatoire. Il avait planifié cette démonstration qu’il avait intitulé 機能喪 失第三號 / Dysfunction No.3. ​- [Fang-Tze Hsu, ‘Chen Chieh-jen: Praxis in the Hobbesian Dream, LEAP, 10 May 2013]

Ce rare film est un des seuls documents rescapé représentant une action dissidente de cette époque à Taïwan. Documentant une intervention publique qui a eu lieu le 30 octobre dans le quartier piétonnier commerçant, où se trouve le théâtre, au centre de Taipei.

​“Taiwan’s Martial Law provisions included laws clearly suppressing assembly, demonstrations, and the forming of organizations. Nonetheless, one afternoon on a holiday in 1983, five youths appeared on Ximending Street dressed in white khaki pants and wearing cotton bags over their heads. They walked, shoulder-to-shoulder, from the Red House to the Wannian Theater, attracting the attention of a growing crowd of onlookers and putting the police headquarters and reserve plainclothes officers on alert. When they arrived at their destination, they immediately began howling and screaming as if they were in great pain, except for one of the men, who quietly lay supine on the ground. That man was Chen Chieh-jen. At the time, he was 23 years old, and he had just finished his compulsory military service. He had planned the demonstration and titled it 機能喪 失第三號 / Dysfunction No.3.“ ​- [Fang-Tze Hsu, ‘Chen Chieh-jen: Praxis in the Hobbesian Dream, LEAP, 10 May 2013]

​This rare film is one of the few surviving documents of dissident actions during a period of martial law in Taiwan. Documenting a public intervention conducted on 30 October 1983 that took place in the pedestrianised shopping and theatre district in the centre of Taipei

Reconnu pour son travail dans le domaine du théâtre, son activisme et en tant que fondateur du magazine influent de gauche ‘The 70s’ , Mok Chiu Yu est considéré comme un iconoclaste majeur. Dans les années 1970 et 1980, Mok a produit de nombreux films extrêmement originaux et uniques, qui ne faisaient pas appel aux méthodologies de l’industrie dominante du cinéma de Hong Kong. Ils s’adressaient ainsi au mouvement de gauche sous-représenté. Éléments personnels, expérimentaux et industriels composent ses films coupent. Le résultat, des films à la valeur inestimable anti-impérialistes et contre les mouvements intellectuels du Hong-Kong britannique de l’époque. Letter to the Young Intellectuals of Hong Kong est un film 35mm qui est fait de séquences tirées d’une exposition documentaire de Henry Moore à Hong Kong. Doublage en voix off, pellicule peinte à la main et autres interventions sur la pellicule permettent à Mok d’adresser un message incendiaire à la jeunesse de Hong Kong. Entrecoupé de séquences originales, le film consiste tout aussi en un journal-filmé des activités politiques de Mok tout au long des années 1970.

​Renowned for his work in theatre, activism and as founder of the influential Left-wing magazine ‘The 70s’, Mok Chiu Yu is one of Hong Kong’s defining iconoclasts. In the 1970s and 1980s Mok produced a highly original and unique body of film work, eschewing the production methodologies of popular Hong Kong film industry and addressed to Hong Kong’s under-represented Left. His films cut and paste elements of industrial, personal and experimental film, resulting in highly original and invaluable records of anti-imperialist and intellectual movements in British-controlled Hong Kong. Letter to the Young Intellectuals of Hong Kong is a 35mm film that utilises and appropriates footage from a Henry Moore documentary exhibition in Hong Kong. Through over-dubbing, painting directly onto the film and other interventions, Mok turns the material into an incendiary address to Hong Kong’s youth. Intercut with newly filmed material, the film also functions as a personal diary of Mok’s political activity throughout the 1970s

Un film en trois parties d’une dialectique. La chanson de Hoagy Land se fait entendre et est interrompue par les sons d’une guitar, deux femmes, un lit, un fauteuil et un extérieur magnifique. Après, le film All My Life de Bruce Baillie. Les paroles de la chanson renvoie au soleil éternel de la Californie et ses promesses. ​- [Laida Lertxundi]

​A film in the three parts of a dialectic. Hoagy Land’s song is played and interrupted as guitar makes sound, two women, a bed an armchair, and the beautiful outside. After Bruce Baillie’s All My Life. The lyrics of the song reference the eternal sunshine of California and its promises. ​- [Laida Lertxundi]

Ce film porte sur la perte de l’innocence. En tant qu’enfants, nous sommes innocents dans le sens que nous ne sommes pas nés avec des valeurs, des moeurs et une éthique particulière. En grandissant, notre culture nous apprend ce qui est idéal, et dans notre société ce qui est idéal est basé sur une philosophie humaniste. Afin de survivre psychologiquement, on apprend à accepter que c’est impossible de maintenir un comportement humaniste idéal dans notre vie et dans notre esprit. Dans un sens, notre innocence se perd lorsque nos valeurs se déterminent et se perd à nouveau quand nous luttons intérieurement pour réussir à vivre notre vie selon les valeurs que l’on a apprises. Et quand nous échouons, nous nous sentons coupables et tristes. Un vrai survivant accepte cela, ainsi que ce type de manifestations chez les autres, avec dignité et grace.  – [Chick Strand, ‘Cineprobe: An Evening With Chick Strand’, Museum of Modern Art NY, notes de programme, 18 October 1976]

​This is a film about the loss of innocence. As children, we are innocent in the sense that we are not born with values, morals and ethics. As we develop, we are taught by our culture that which is ideal and in our society
what is ideal is based on a humanistic philosophy. In order to survive psychologically, we learn to accept that it is impossible to maintain this ideal humanistic behaviour in our own lives and thoughts. In a sense, our innocence is lost when we learn the values and then lost again when we struggle within ourselves to achieve a life based on the values we learned, and when we fail, we feel guilt and sadness. A true survivor accepts this, and the manifestations of it in other humans, with dignity and grace. – [Chick Strand, ‘Cineprobe: An Evening With Chick Strand’, Museum of Modern Art NY, programme notes, 18 October 1976]

Tito & Tita est un collectif des Philippines qui se dédie à l’art et au film par la production d’installations, de films, de photographies et la réalisation d’actions collectives. Principalement soucieux des possibilités du médium photographique et son histoire multiple, son nom Tito & Tita, en tagalog, signifie “oncles et tantes”, renvoyant au réseau informel de ses artistes collaborateurs. Director’s Cat consiste en un film 16mm développé à la main qui se situe entre un film de famille, un test et une prise délaissée. Un équilibre s’y constate entre un moment de captation libre, et un, mis en scène.

​Tito & Tita are a film and art collective from the Philippines whose work spans installation, film, photography and collective actions. Centrally concerned with possibilities of photographic media and its various histories, their name Tito & Tita is the Tagalog for ‘uncles and aunts’, suggesting an informal network of artist collaborators. Director’s Cat is a hand processed 16mm film, sitting between a home movie, a discarded take or a screen test. The film is balanced between a captured off-hand moment and a staged scene.

Tito & Tita est un collectif des Philippines qui se dédie à l’art et au film par la production d’installations, de films, de photographies et la réalisation d’actions collectives. Principalement soucieux des possibilités du médium photographique et son histoire multiple, son nom Tito & Tita, en tagalog, signifie “oncles et tantes”, renvoyant au réseau informel de ses artistes collaborateurs. Director’s Cat consiste en un film 16mm développé à la main qui se situe entre un film de famille, un test et une prise délaissée. Un équilibre s’y constate entre un moment de captation libre, et un, mis en scène.

​Tito & Tita are a film and art collective from the Philippines whose work spans installation, film, photography and collective actions. Centrally concerned with possibilities of photographic media and its various histories, their name Tito & Tita is the Tagalog for ‘uncles and aunts’, suggesting an informal network of artist collaborators. Director’s Cat is a hand processed 16mm film, sitting between a home movie, a discarded take or a screen test. The film is balanced between a captured off-hand moment and a staged scene.